Santa Sofía

Nos encontramos ante una obra arquitectónica, en concreto una iglesia conocida como Santa Sofía de Constantinopla.
Se trata de una iglesia de origen cristiano ortodoxa, que funcionó como mezquita, pero en la actualidad funciona como museo.
En cuanto a su planta, su construcción se inscribe en un rectángulo al que le procede un doble-mártex. El interior se encuentra dividido en tres naves, siendo la central de doble anchura.
Su alzado se encuentra en gran parte condicionado a la sujeción de la gran cúpula central. Para su apoyo están cuatro parejas de machones sobre los que se alzan las perchinas, y así en el exterior estos machones se convertirían en gigantes contrafuertes.
Junto al muro, el otro elemento sustentante son las columnas con capitel trepanado.
En la segunda planta se colocan dos tribunas (una para hombres y otras para mujeres) en los que se colocaban el pueblo.
Respecto a la cubierta, es bastante original, pues es el eje de toda la construcción.
El centro se cubre con una gran cúpula semiesférica construida con materiales muy ligeros. Se encuentra dividida por nervios que separan gallones cóncavos, abriéndose 40 ventones, que lo inundan de luz.
Sus apoyos se realizan a través de cuatro pechinas que apean sobre los cuatro grandes machones que la rodean. En sentido longitudinal el peso se translada hacia dos medias cúpulas.
En cuanto a las naves laterales se cubren con bóvedas de arista, y quedan más aisladas visualmente.
Su decoración es lo que más daños ha sufrido sobre todo al convertirse en mezquita, pues eliminaron gran parte de los mosaicos, cerraron ventanas y colocaron cuatro grandes medallones.
Todas las paredes se encontraban decoradas con mosaicos que contribuían a multiplicar el efecto lumínico interior, creando un marco dominado por la luz y los brillos. En cuanto al suelo, se utilizaron mármoles policromados que daban una imagen de poder y magnificencia.

Actualmente se encuentra en Estambul y fue realizada en el siglo VI sobre otra anterior, por los arquitectos Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto.

Aquí os dejamos un enlace de una carpeta donde tenéis dos comentarios sacados de Internet. 

Catacumbas de San Calixto

En esta imagen se aprecia una obra arquitectónica que recibe el nombre de Catacumbas de San Calixto. Estas Catacumbas empezaron a construirse en la primera mitad del siglo II. Reciben el nombre de Calixto porque en el silgo III fue él en persona el administrador del cementerio.

Esta obra se encuentra realizada bajo tierra, su función era que ante el incremento que fue tomando el cristianismo se hicieran necesarios más cementerios, estos cementerios fueron construidos bajo tierra. Las catacumbas son pues cementerios cristianos excavados en profundidad ante las dificultades para extenderse en superficie. Es este caso la red de galerías se extiende por unos 20 KM de longitud y está dividido en varias zonas, forman parte del complejo también dos pequeñas basílicas situadas en la superficie. El lugar más sagrado de esta obra lo constituye la “La cripta de los papas” ya que hay enterrados  9 papas y 8 dignitarios de la Iglesia.

La organización de estas catacumbas se hacía por una serie de redes y galerías. En las paredes de estas galerías se hallaban nichos rectangulares excavados  en sentido horizontal (loculi). En este caso se aprovechaba el fondo de una galería para enterrar a alguien más importante. Este ensanchamiento recibe el nombre de (cubículo) y cuando se es mayor (cripta), a veces se excava en el muro un arco llamado arcosolio.

Podemos decir desde el punto de vista artístico que lo más importante era la iconografía que se desarrollaba en los cubículos ya que se hacían representaciones en pintura.

En conclusión las catacumbas de Calixto son todavía una meta de perenigraje.

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Dama de Baza

Nos encontramos frente a una obra escultórica que no tiene autor y nada se sabe de él. Recibe el nombre de dama Baza ya que se encontró en una ciudad de Granada en 1971. Actualmente se encuentra en el museo de Madrid. La cronología aproximada de esta escultura se abarca por el siglo IV a.C. Esta escultura es de bulto redondo, la cual esta trabajada por todas sus lados y se aprecia desde distintos puntos de vista pero está pensada para ser vista de frente.

Es una escultura completa referente al cuerpo entero. Presenta una temática religiosa y funeraria. Exhibe un estilo Íbero que se aprecia por sus vestimentas, también tiene influencia el período arcaico ya que se muestra la frontalidad y la rigidez.

El material que compone dicha escultura es de piedra caliza de color grisáceo que está realizada en un solo bloque de este mineral. La escultura esta enlucida con yeso y presenta tonos policromados a pesar de que no se aprecian muy bien debido al transcurso del tiempo.

Esta escultura presenta una serie de características formales que se detallaran a continuación. En primer lugar se aprecia una mejora del realismo en comparación con la Dama de Elche que es más idealizada. Además las vestimentas son bastantes realistas ya que se portaban en aquella época.

Se aprecia a una mujer sentada sobre un trono, la cual está bien vestida, era algo de  distinción sobre el pueblo y la aristocracia. Esta vestida con un manto, una túnica y dos sajas de color azul y calzada con unas babuchas rojas sobre un cojín azulino.

Su pelo negro está recogido en dos rodetes a ambos lados de la cara y su tocado se adorna con una tiara. Destacan sus pendientes, de forma cúbica rematados con flecos. Además se adorna sus extremidades con brazaletes, anillos y gargantillas pequeñas. En su cuello porta dos collares, uno en forma de lengüeta porta-amuletos y otro con tres colgantes en forma de anforilla, que según las investigaciones eran para contraer el perfume. Además junto a ella se han encontrado otras piezas (espadas, búcaros…).

Respecto a su trono tiene un respaldo en forma de alas, reposabrazos y cuatro patas, las delanteras en forma de león. En uno de los laterales tiene una oquedad donde se portaban las cenizas del difunto.

Las damas de arte íbero como dicha escultura pueden aparecer entronizadas como ésta, donde se muestra una absoluta rigidez al estar sedente. Destaca la solemnidad y un cierto hieratismo. Esta presenta una mano plegada y una cerrada, según los investigadores podrían tener en el puño cerrado una paloma.

Podemos concluir diciendo la funcionalidad y la iconografía de esta escultura la cual se basaba en albergar las cenizas de un difunto como ajuar funerario. Estas esculturas eran enterradas en las necrópolis situadas en las inmediaciones del poblado.

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Examenes de Selectividad

Hemos cogido algunos exámenes de Selectividad de otros años para que podáis practicar, aquí os lo dejamos enlazado.
¡Un saludo!
Exámenes Selectividad

Marco Aurelio

Esta imagen muestra una obra escultórica de bulto redondo en actitud ecuestre. Se puede ver desde distintos puntos de vista.  Recibe el nombre de Marco Aurelio a caballo. Dicha obra carece de autor pero se sabe que esta estatua fue trasladada por Miguel Ángel desde la plaza del capitolio. Actualmente se encuentra en el museo capitolino. Se data de una cronología aproximada entre el 161-180 d.C., concretamente en la Dinastía Antoniana. Dicha obra tenía la funcionalidad de ser exhibida a lo largo del Imperio como elemento decorativo, dándole propaganda política. Esta obra está compuesta de bronce y realiza la técnica del vaciado de bronce. Respecto a su estilo se aprecia una gran predilección por lo helenismo y lo etrusco.

Esta obra ecuestre muestra a Marco Aurelio en el acto de “adlocutio”. Se representa más  bien como hombre cansado y filósofo estoico desilusionado,  de ahí sus rasgos desgreñados como la barba y el cabello.

Se presenta un naturalismo tanto en el caballo como en Marco Aurelio, éste último se representa en su etapa adulta y no en la joven como de costumbre. Su anatomía no es completamente proporcionada. Se aprecia una desproporción entre el caballo y Marco Aurelio. Por una parte el jinete (Marco Aurelio), extiende su brazo, mantiene alineado los hombres y reposa todo su cuerpo sobre el lomo del caballo. Por otra parte el caballo porta tres patas en el suelo y una levantada. Este contraste de ambos seres da una visión de la escultura realista, natural y estable.

Además de todo esto, Marco Aurelio presenta un rostro serio. Su cabello es rizado y su cara es cubierta por una barba un tanto desgreñada, que era algo habitual en esta etapa de la Dinastía Antoniana. Marco Aurelio lleva una túnica con pliegues que recorren su cuerpo dándole más realismo y naturalismo a la obra. Éste expresa en su rostro una mirada recta a la vez que realiza un movimiento sereno.

Debemos destacar que el estudio de esta obra es muy simétrico ya que coincide el jinete verticalmente con el caballo que está dispuesto de forma horizontal. Esta obra muestra la presencia de movimiento y superposición que se dan a entender tanto con el alza del brazo de Marco Aurelio como con la pata contraída del caballo.

Finalmente debemos mencionar que las obras ecuestres como ésta eran símbolos de poder político, quien era otorgado con este cargo debía hacer autoridad y razón para guiar sus decisiones sobre el pueblo, al igual que lo hace Marco Aurelio al pasar la “revista militar” o “adlocutio”.

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Panteón de Agripa

Podemos  apreciar en dicha imagen una obra arquitectónica que recibe el nombre de Panteón de Agripa (Templo de todos los dioses). Se trata de un edificio grandioso, fruto de un gran avance realizado por el arte romano en relación con las tácticas griegas de construcción.
Esta obra arquitectónica pertenece al siglo II d.C. siendo emperador Adriano. Se construye sobre un templo anterior de época de Augusto, encargado por su lugar teniente Marco Agripa. Desde la etapa desde donde se vea dicha obra será un autor u otro mencionados anteriormente.
Según el esquema habitual el templo se alzaba al fondo de una plaza porticada que nunca se llevó a cabo. Consta de una planta circular, pero con pórtico rectangular, este pórtico por sus grandes dimensiones podía haber sido un templo obviando en este caso la planta circular. Se aprecia una incongruencia entre ambas partes mencionadas anteriormente que tiene forma de cubo y forma parte de la estructura.
Si nos centramos el pórtico consta de ocho columnas monolitas de granito (octastilo) de origen corintio con un frontón triangular sin relieves, en su friso se hayan unas inscripciones en latín que significan: “Marco Agrippa, hijo de Lucio cónsul por tercera vez, (lo) hizo”. El pórtico se divide en tres partes separadas por columnas, donde dos naves laterales son más pequeñas y acaban en nichos con ábsides, a continuación la nave central un poco más grande da paso a la cella o naos, un enorme espacio circular cubierto por una gran cúpula de media naranja.
El muro exterior circular o tambor es muy grueso, tiene un espesor de 6 metros aunque no llega a ser macizo, carece de vanos y en él están insertados ocho grandes pilares que soportan la gran cúpula. En el interior se alternan espacios arquitrabados  (capillas circulares y semicirculares) que se corresponde con los arcos de descarga exteriores, que lanzan y distribuyen todo su peso a los 8 grandes pilares que se encuentran entre las capillas. Estos arcos tienen un papel fundamental en la estructura pero apenas son visibles. Estas capillas forman un lujoso y grandioso conjunto ornamental que “oculta” todo el sistema de cargas.
La gran cúpula se alza sobre un ático con ventanas cubiertas de celosía, esta es la verdadera protagonista del edificio. Presenta una estructura de anillos y nervios que configuran los casetones. Estos son compartimentos rectangulares rehundidos que aligeran el peso y dan grandiosidad a la estancia  al empequeñecerse conforme se va cerrando la cúpula. Dicha cúpula consta de unas grandes proporciones, tiene un diámetro de 43 metros aproximadamente.
La cúpula es coronada con  un óculo de una envergadura de 9 metros que actúa como foco de ventilación y de luz del recinto, incluso sirvió para la recogida del agua de  lluvia. Este óculo no ha sido tapado nunca y cuando llueve el agua penetra pero el edificio tiene una red de canalización por donde ésta sale y el recinto no pierde estabilidad ninguna.
Finalmente se aprecia que el material fundamental que compone este gran monumento arquitectónico es el “opus caementicium” para los arcos y revestimiento interior, en cambios las columnas exteriores, cornisas y demás llevaran piedras nobles como el mármol.

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Laocoonte y sus hijos

Nos encontramos frente a una obra escultórica, cuyos autores  fueron tres en este caso: Agesandro, Polídoro y Atendoro que pertenecen los tres a las escuelas helenísticas de Rodas.
El título de esta obra es: Laocoonte y sus hijos y en la actualidad se encuentra en uno de los museos del Vaticano. La cronología aproximada de esta escultura es del año 50 a.C., a pesar de que esta es una copia realizada por los romanos.
Esta escultura de bulto redondo puede verse desde distintos puntos de vista, pero para ver la escultura en su plenitud debemos contemplarla de frente. Además esta obra presenta una temática religiosa y mitológica a la vez.
El estilo al que pertenece la escultura es al período helenístico, concretamente a una de las escuelas helenísticas de Rodas. El material con el que está hecha dicha escultura es con mármol y presenta la técnica de la talla. (Previamente se hace un esbozo).
Esta escultura presenta una serie de características formales que se detallarán a continuación. En primer lugar presenta un realismo de actuación, el cual nos enseña claramente la posición de los personajes en el momento en el que sucedieron los hechos. También se aprecia un grado de naturalismo en el rostro tras el sufrimiento de estas personas.
Respecto a su anatomía, esta escultura presenta con intensidad el estado de ánimo de éstos reflejado en el rostro. Además también se contempla los abdómenes muy exagerados en comparación con los hijos de Laocoonte, ya que debido a la edad de los hijos de éste no deberían poseer ciertos rasgos anatómicos. La escultura consta de una altura de 2 metros y 42 centímetros aproximadamente. También se aprecia el estudio de los paños mojados, sobre el que está dejado caer Laocoonte, ambas esculturas van completamente desnudas. Presenta un movimiento continuo e intenso que entrelaza los cuerpos con la serpiente dando sensación de tres dimensiones. A su vez se dota de una perspectiva natural que da lugar a un mayor realismo.
Esta obra contiene una gran expresión dramática que se aprecia ante todo en los rostros, esta expresión es caracterizada por el dolor que siente estas tres personas tras ser atacadas por la serpiente. Los autores consiguen este dramatismo de varias formas; la disposición teatral de los personajes, las posturas retorcidas de éstos y la fuerza expresiva de todos las partes del cuerpo. Si nos centramos Laocoonte mira y rompe con todos los cánones de frontalidad e hieratismo; parece ser que gira la cabeza hacia la izquierda y la mantiene erguida porque espera la ayuda de los dioses. Esta escultura dramatiza perfectamente el momento en el que Laocoonte es mordido por la serpiente y este torna su columna en una postura natural de la queja del dolor sentido.
Finalmente esta escultura presenta una iconografía que es la siguiente: Laocoonte se opone a la ofrenda que hacen los griegos a los troyanos, el regalo es un caballo gigante, Laocoonte tras haberles avisado de que sería perjudicial para él y los troyanos, clava una lanza en el caballo y tras esto es expulsado del recinto. Mientras da un paseo por la playa con sus hijos una bestia (serpiente) les ataca y es enviada por Apolo con motivo de su desconfianza y oposición al caballo de los griegos.

Aquí os dejamos otro comentario sacado de internet donde podréis obtener más información.

Coliseo

La obra que vamos a analizara continuación se trata de una arquitectura que recibe el nombre de " Anfiteatro Flavio Roma" (Coliseo).
Esta arquitectura fue construida por orden del emperador Vepasiano y acabada por Tito, aproximadamente en los años 72-82 d.C, por lo que pertenece a la época del alto imperio.
Los materiales con los que está construidi este elemento arquitectónico son el hormigón, el ladrillo, y la piedra.
En la fachaza exterior se aprecia los cuatro órdenes clásicos de la arquitectura romana (toscano, jónico, corintio y compuesto).
Debajo de las gradas hay un sistema de pasillos abovedados por donde el público puede acceder y abandonar el espectáculo (vomitorios).
Dentro del edificio se aprecia una especie de foso por donde salen las fieras o se dejan los cadáveres de los que participan en el espectáculo, está techado de madera.
Se utilizaba una vela que servía para proteger del sol y de la lluvia a los espectadores.
Tiene una capacidad para 50.000 espectadores y unas dimensiones de 188 x 156 m. Actualmente la grada más alta está destruida. Se ve que utilizan el arco de medio punto.
Esta obra está destinada para el oficio de los ciudadanos romanos. En este tipo de acontecimientos se celebrabran acontecimientos como los espectáculos violentos, batallas, de gladiarores, batallas con animales salvajes...
Esta obra está considerada la más grandiosa de la roma imperial.
En conclusión, esta obra no solo fue un edificio espectacular de la arquitectura romana, sino también un símbolo del poder de Roma.

Aquí os dejamos otro comentario sacado de internet.

Acueducto de Segovia

La obra que aparece en la imagen es el acueducto de Segovia, ombra cumbre de la igeniería civil romana en Hispania, en torno a los siglos I - II d.C.
La imagen nos muestra la parte del acueducto en la que este alcanza su mayor altura alcanzando los 28 m, con doble arcada de medio punto sobre pilares, siendo los de la planta inferior más largos y gruesos que los de la superior.
El material empleado es la sillería isódoma, es decir, bloques rectangulares de granito, unidos entre sí sin ningún tipo de mezcla.
En la parte superior del acueducto se usa un "Opus mixtum" con un canal en forma de "U" por donde discurría el agua, siguiendo una corriente contínua del 1%.
Para cubrir el agua de impureza y suciedad, la canalizacion iba cubierta de tejas.
La obra, dado su caracter funcional, apenas tiene decoración, quedando esta reducida a una inscripción en bronce, hoy desaparecida, donde se mencionaba la fecha de construcción.
Esta obra nos muestra la necesidad de dotar a las ciudades agua, hizo que se creara una red de acueductos.
En conclusión, el Acueducto de Segovia es un magnífico ejemplo, no el único, aunque sí el mejor conservado de la ingeniería civil romana en España y nos muestra los grandes avances que lograron en obras de ingeniería civil como puentes, calzadas y acueductos.

Aquí os dejamos enlazado otro comentario sacado de internet.

Venus de Milo

La obra que vamos a comentar recibe el nombre de Venus de Milo y se trata de una escultura realizada en mármol, durante el S.II y III a.C.

Fue encontrada en la isla que le da nombre. La obra pertenece al arte griego y mas concretamente al arte helenístico, que se caracteriza por la tendencia a representar lo naturalista y el realismo extremo. Triunfa lo recargado, lo expresivo alcanzando la perfección en el movimiento. Dramatismo y tensión en los rostros. La escultura pierde el punto de vista frontal, para que pueda ser vistas desde todos los ángulos. La escultura se representa de cuerpo entero y se aprecia a una mujer semidesnuda de cintura para arriba mientras que de cintura para abajo se cubre con una túnica en los cuales se utiliza la técnica de los paños mojados.

La escultura tiene algunas inspiraciones clásicas. Apoya el peso del cuerpo en la pierna derecha mientras flexiona la izquierda. Podemos observar como la escultura tiene forma de - S -.

El rostro tiene una gran serenidad, colocado de perfil, rasgo típico del clasicismo. El peso es muy simple. Constituye una magistral adaptación de una Afrodita atribuida a Lisipo. Lo principal de esta escultura es el odo en que el artista logró dar un movimiento ondulante del cuerpo, dando vida y vibración al elegante y frío esquema del S.IV a.C.

Como ya hemos comentado, nos encontramos ante una de las obras más famosas del mundo antiguo.

El cuerpo semidesnudo y el pose sensual ha generado una de las estampas más conocidas que resaltan la belleza del cuerpo femenino.

Aquí os dejamos otro comentario sacado de internet.

Doríforo

Nos encontramos ante una escultura de bulto redondo; de un individuo que está de pie y posiblemente portando una lanza. Estas características básicas hacen que sepamos que el autor fue Polícleto. Polícleto fue un escultor muy importante de la historia artística de Grecia; fue broncista y también aplicó una serie de cánones que comentaremos posteriormente. Polícleto designa a esta escultura con el nombre de DORIFORO. Esta escultura pertenece al siglo V a.C. Si concretamos, el contexto al que pertenece es la etapa clásica de Grecia, y con esto tiene relación también la etapa clasicista. El material que compone esta escultura es el mármol.
Por una parte se aprecia la imagen de un hombre muy característico del período de Grecia ya que persistía un cierto antropocentrismo. Éste porta una lanza. La figura nos muestra un cuerpo muy idealizado, con unas proporciones características de Polícleto en la que dicha escultura coincide con siete cabezas, siendo un canon que se estableció. Este canon es muy armonioso y hace que la escultura se dote de una altura aproximada de dos metros.
Por otra parte a este cuerpo varonil se le aplicó el contraposto, podemos apreciar una delicada curvatura desde los pies hasta la cabeza en forma de - S -. Este contraposto hace que el individuo tenga una pierna en tensión y la otra flexionada al igual que sus brazos, uno hacia bajo y otro flexionado. Además se pierde la frontalidad por completo que se aprecia en el cuerpo pero ante todo en la cabeza; su cabeza esta levemente girada hacia la derecha.
Esta figura no se dota de expresión, aunque tampoco llega a ser hierática, presenta un cuerpo idealizado y realista pero poco naturalista. La búsqueda de la perfección, proporción y armonía la encontramos justamente aquí. La anatomía cada vez va en continua evolución hasta el período helenístico pero ya se percibe unas prestaciones muy importantes como la del pelaje corto de aquella época al igual que la marca de los músculos con lo óseo.
Finalmente y no por ello menos importante se aprecia la diartrosis. Donde las proporciones del torso encajan perfectamente con las extremidades, a su vez el torso divide los pectorales, la cintura y la curva inguinal.

Aquí os dejamos otro comentario de esta obra sacado de internet

Partenón de Atenas

Se trata de uno de los monumentos arquitectónicos más sorprendentes que nos han dejado los individuos de Grecia. Es un templo, y recibe el nombre de Partenón.

Este templo presenta una corriente que se extendía por toda la Magna Grecia hasta Sicilia. Dentro del arcaísmo, la obra arquitectónica centra todas sus características en el Dórico una subetapa del arcaísmo.

La cronología aproximada del Partenón es del siglo V siendo su autor Perícles. Éste fue un hombre griego que llevo hacia delante una empresa; donde participaron una serie de escultores y arquitectos amigos suyos que le ayudaron a la procreación de dicho templo. Por una parte Fidias se encargó de la parte escultórica; es decir de los frontones y metopas; y también de la escultura central de 12 metros (Atenea Partenos) que hablaremos más adelante. Por otro lado Ikinos se encargó de la arquitectura de éste. En definitiva este templo fue construido por muchos más trabajadores. Perícles tuvo también una etapa de esplendor y fue gobernador de esta ciudad dividida en polis; es decir ciudades-estados independientes unas de otras. El Partenón fue la obra arquitectónica principal aunque junto a él, se encuentra el Templo de Atenas Niké y el Erecteion. Este templo fue construido con mármol del pentélico siguiendo las características del Orden Dórico (columnas carentes de basa, fustes recorridos por 20 estrías cóncavas, capitel compuesto por equino y ábaco y arquitrabe divido triglifos y metopas). Aunque en la actualidad resalta el color blanco de su mármol, originalmente estaba policromado con fuertes colores que resaltaban sus elementos arquitectónicos.

Es un templo de proporciones regulares, siendo el doble de largo que de ancho con ocho columnas en sus lados más cortos, por ello podemos categorizarlo como un templo octástilo, por 17 en sus lados más largos. Las columnas recorren sus cuatro lados, se trata por lo tanto de un templo períptero, y seis columnas preceden al pronaos. Del pronaos accedemos a la cella que se encontraba dividida en tres naves con columnas superpuestas para ganar la altura necesaria para alojar la estatua de 12 metros de altura de la diosa. En su parte posterior, incomunicada con el resto, se encuentra otra cámara que recibe el nombre de Opistodomo que habría de servir para alojar el tesoro de la diosa.

Esta Obra es un fiel reflejo no sólo del Orden Dórico, el más austero y clásico de los órdenes griegos, sino de las proporciones armónicas que debía de perseguir el templo griego. Así cabe destacar no sólo las proporciones de sus elementos sino las correcciones ópticas que realizaron los arquitectos para lograr esa visión perfecta del conjunto (desigual distancia de los intercolumnios, abombamiento del estilobato y del entablamento para evitar la sensación de hundimiento en el centro, ligera inclinación de los fustes, etc).

El Partenón fue famoso en la antigüedad no sólo por sus esbeltas proporciones sino también por su decoración escultórica, hoy día repartida fundamentalmente entre el museo del Louvre y el británico. La Obra que hemos comentado marcó un hito en la historia de la arquitectura creando un modelo de templo que habría de ser copiado en reiteradas ocasiones no solo en el mundo antiguo sino en épocas más recientes como el Neoclasicismo del siglo XIX.

Aquí os dejamos una carpeta con dos comentarios más. 

Triada de Mikerinos

La obra que tenemos delante, recibe el título de “Triada de Mikerinos”, nombre que recibe por el faraón que aparece representado. Esta obra es de la IV dinastía, del Imperio Antiguo egipcio, un período en el que ya el Alto y el Bajo Egipto aparecen unificados bajo la autoridad divina del faraón. 

Esta escultura mide 92,5 cm. de altura. La técnica utilizada por el escultor es el alto relieve, pues la escultura sobresale  más de tres cuartos con respecto al fondo. Vemos representadas tres figuras humanas, dos femeninas a los laterales y una masculina en el centro. Podemos identificar a la Diosa Hathor gracias a los cuernos (animal identificado: vaca), y el disco solar (Atón).

El faraón lleva signos de identificación de su poder, como la corona de bulbo y la barba postiza. La otra mujer es la diosa protectora del nomo de Cinopolio, sobre la cabeza de ésta podemos distinguir un chacal.

La temática de esta obra es religiosa, muestra al faraón como un dios. Posiblemente tuviera una finalidad funeraria, esta obra serviría de soporte al KA del faraón en el caso de que su cuerpo se perdiera.

Las figuras femeninas aunque aparecen vestidas, su fina túnica deja ver las formas anatómicas. En cambio, el faraón aparece semidesnudo, vestido con un faldellín. Destaca los cuerpos estilizados de las figuras femeninas. El faraón tiene una complexión fuerte, hombros anchos, fuerte y marcado abdomen…

Las figuras de la escultura destacan por su aspecto macizo, con los puntos cerrados pegados al cuerpo y su rigidez. Podemos ver el pié adelantado del faraón y de la diosa Hathor.

Aquí os dejamos una carpeta con dos comentarios de esta escultura.  

Pirámide escalonada

Estamos ante una pirámide escalonada, que sin duda es la más antigua y proviene de la mastaba. Esta pirámide fue construida en Sakkara para Zoser (2635-2615 a.C.). 

Esta obra pertenece a la III dinastía del Antiguo Egipto. Fue creada por el arquitecto Imhotep. Se trata de una arquitectura funeraria, construida con piedra, cubierta por una capa de roca caliza, de la que ya no queda nada.

Esta pirámide esta compuesta por varias mastabas, cada vez más pequeñas y superpuestas, formando escalones. Como los materiales de esta pirámide eran duros y permanentes, hacían de ella un lugar idóneo para el descanso del difunto y la conservación de sus ajuares.

Esta obra está dentro de un gran complejo arquitectónico formado por un templo funerario, patios, residencia del faraón…

Al principio, esta pirámide fue diseñada como una gran mastaba, con su cámara en pozo, pero poco a poco el proyecto se ha ido complicando y se convirtió en la pirámide escalonada,

La parte subterránea tiene un pozo vertical de 28 m de profundidad, en el fondo está la cámara del sarcófago de Zoser. De ella parte un laberinto de habitantes con puertas falsas.

En el Antiguo Egipto se creía que la muerte era el comienzo de una nueva vida en otro mundo y que todo hombre tenía un alma.

Al morir el cuerpo, el alma seguiría viva en el mundo de ultratumba. Esta vida sería eterna y por eso los faraones se hicieron construir grandes tumbas.

Hoy en día, la pirámide de Zoser se encuentra en un estado de construcción bastante deteriorado y está cerrada al público por peligro de derrumbamiento.

Aquí os dejamos otro comentario sacado de Internet donde podréis sacar más información de esta obra arquitectónica.