Laocoonte y sus hijos

Nos encontramos frente a una obra escultórica, cuyos autores  fueron tres en este caso: Agesandro, Polídoro y Atendoro que pertenecen los tres a las escuelas helenísticas de Rodas.
El título de esta obra es: Laocoonte y sus hijos y en la actualidad se encuentra en uno de los museos del Vaticano. La cronología aproximada de esta escultura es del año 50 a.C., a pesar de que esta es una copia realizada por los romanos.
Esta escultura de bulto redondo puede verse desde distintos puntos de vista, pero para ver la escultura en su plenitud debemos contemplarla de frente. Además esta obra presenta una temática religiosa y mitológica a la vez.
El estilo al que pertenece la escultura es al período helenístico, concretamente a una de las escuelas helenísticas de Rodas. El material con el que está hecha dicha escultura es con mármol y presenta la técnica de la talla. (Previamente se hace un esbozo).
Esta escultura presenta una serie de características formales que se detallarán a continuación. En primer lugar presenta un realismo de actuación, el cual nos enseña claramente la posición de los personajes en el momento en el que sucedieron los hechos. También se aprecia un grado de naturalismo en el rostro tras el sufrimiento de estas personas.
Respecto a su anatomía, esta escultura presenta con intensidad el estado de ánimo de éstos reflejado en el rostro. Además también se contempla los abdómenes muy exagerados en comparación con los hijos de Laocoonte, ya que debido a la edad de los hijos de éste no deberían poseer ciertos rasgos anatómicos. La escultura consta de una altura de 2 metros y 42 centímetros aproximadamente. También se aprecia el estudio de los paños mojados, sobre el que está dejado caer Laocoonte, ambas esculturas van completamente desnudas. Presenta un movimiento continuo e intenso que entrelaza los cuerpos con la serpiente dando sensación de tres dimensiones. A su vez se dota de una perspectiva natural que da lugar a un mayor realismo.
Esta obra contiene una gran expresión dramática que se aprecia ante todo en los rostros, esta expresión es caracterizada por el dolor que siente estas tres personas tras ser atacadas por la serpiente. Los autores consiguen este dramatismo de varias formas; la disposición teatral de los personajes, las posturas retorcidas de éstos y la fuerza expresiva de todos las partes del cuerpo. Si nos centramos Laocoonte mira y rompe con todos los cánones de frontalidad e hieratismo; parece ser que gira la cabeza hacia la izquierda y la mantiene erguida porque espera la ayuda de los dioses. Esta escultura dramatiza perfectamente el momento en el que Laocoonte es mordido por la serpiente y este torna su columna en una postura natural de la queja del dolor sentido.
Finalmente esta escultura presenta una iconografía que es la siguiente: Laocoonte se opone a la ofrenda que hacen los griegos a los troyanos, el regalo es un caballo gigante, Laocoonte tras haberles avisado de que sería perjudicial para él y los troyanos, clava una lanza en el caballo y tras esto es expulsado del recinto. Mientras da un paseo por la playa con sus hijos una bestia (serpiente) les ataca y es enviada por Apolo con motivo de su desconfianza y oposición al caballo de los griegos.

Aquí os dejamos otro comentario sacado de internet donde podréis obtener más información.

Venus de Milo

La obra que vamos a comentar recibe el nombre de Venus de Milo y se trata de una escultura realizada en mármol, durante el S.II y III a.C.

Fue encontrada en la isla que le da nombre. La obra pertenece al arte griego y mas concretamente al arte helenístico, que se caracteriza por la tendencia a representar lo naturalista y el realismo extremo. Triunfa lo recargado, lo expresivo alcanzando la perfección en el movimiento. Dramatismo y tensión en los rostros. La escultura pierde el punto de vista frontal, para que pueda ser vistas desde todos los ángulos. La escultura se representa de cuerpo entero y se aprecia a una mujer semidesnuda de cintura para arriba mientras que de cintura para abajo se cubre con una túnica en los cuales se utiliza la técnica de los paños mojados.

La escultura tiene algunas inspiraciones clásicas. Apoya el peso del cuerpo en la pierna derecha mientras flexiona la izquierda. Podemos observar como la escultura tiene forma de - S -.

El rostro tiene una gran serenidad, colocado de perfil, rasgo típico del clasicismo. El peso es muy simple. Constituye una magistral adaptación de una Afrodita atribuida a Lisipo. Lo principal de esta escultura es el odo en que el artista logró dar un movimiento ondulante del cuerpo, dando vida y vibración al elegante y frío esquema del S.IV a.C.

Como ya hemos comentado, nos encontramos ante una de las obras más famosas del mundo antiguo.

El cuerpo semidesnudo y el pose sensual ha generado una de las estampas más conocidas que resaltan la belleza del cuerpo femenino.

Aquí os dejamos otro comentario sacado de internet.

Doríforo

Nos encontramos ante una escultura de bulto redondo; de un individuo que está de pie y posiblemente portando una lanza. Estas características básicas hacen que sepamos que el autor fue Polícleto. Polícleto fue un escultor muy importante de la historia artística de Grecia; fue broncista y también aplicó una serie de cánones que comentaremos posteriormente. Polícleto designa a esta escultura con el nombre de DORIFORO. Esta escultura pertenece al siglo V a.C. Si concretamos, el contexto al que pertenece es la etapa clásica de Grecia, y con esto tiene relación también la etapa clasicista. El material que compone esta escultura es el mármol.
Por una parte se aprecia la imagen de un hombre muy característico del período de Grecia ya que persistía un cierto antropocentrismo. Éste porta una lanza. La figura nos muestra un cuerpo muy idealizado, con unas proporciones características de Polícleto en la que dicha escultura coincide con siete cabezas, siendo un canon que se estableció. Este canon es muy armonioso y hace que la escultura se dote de una altura aproximada de dos metros.
Por otra parte a este cuerpo varonil se le aplicó el contraposto, podemos apreciar una delicada curvatura desde los pies hasta la cabeza en forma de - S -. Este contraposto hace que el individuo tenga una pierna en tensión y la otra flexionada al igual que sus brazos, uno hacia bajo y otro flexionado. Además se pierde la frontalidad por completo que se aprecia en el cuerpo pero ante todo en la cabeza; su cabeza esta levemente girada hacia la derecha.
Esta figura no se dota de expresión, aunque tampoco llega a ser hierática, presenta un cuerpo idealizado y realista pero poco naturalista. La búsqueda de la perfección, proporción y armonía la encontramos justamente aquí. La anatomía cada vez va en continua evolución hasta el período helenístico pero ya se percibe unas prestaciones muy importantes como la del pelaje corto de aquella época al igual que la marca de los músculos con lo óseo.
Finalmente y no por ello menos importante se aprecia la diartrosis. Donde las proporciones del torso encajan perfectamente con las extremidades, a su vez el torso divide los pectorales, la cintura y la curva inguinal.

Aquí os dejamos otro comentario de esta obra sacado de internet

Partenón de Atenas

Se trata de uno de los monumentos arquitectónicos más sorprendentes que nos han dejado los individuos de Grecia. Es un templo, y recibe el nombre de Partenón.

Este templo presenta una corriente que se extendía por toda la Magna Grecia hasta Sicilia. Dentro del arcaísmo, la obra arquitectónica centra todas sus características en el Dórico una subetapa del arcaísmo.

La cronología aproximada del Partenón es del siglo V siendo su autor Perícles. Éste fue un hombre griego que llevo hacia delante una empresa; donde participaron una serie de escultores y arquitectos amigos suyos que le ayudaron a la procreación de dicho templo. Por una parte Fidias se encargó de la parte escultórica; es decir de los frontones y metopas; y también de la escultura central de 12 metros (Atenea Partenos) que hablaremos más adelante. Por otro lado Ikinos se encargó de la arquitectura de éste. En definitiva este templo fue construido por muchos más trabajadores. Perícles tuvo también una etapa de esplendor y fue gobernador de esta ciudad dividida en polis; es decir ciudades-estados independientes unas de otras. El Partenón fue la obra arquitectónica principal aunque junto a él, se encuentra el Templo de Atenas Niké y el Erecteion. Este templo fue construido con mármol del pentélico siguiendo las características del Orden Dórico (columnas carentes de basa, fustes recorridos por 20 estrías cóncavas, capitel compuesto por equino y ábaco y arquitrabe divido triglifos y metopas). Aunque en la actualidad resalta el color blanco de su mármol, originalmente estaba policromado con fuertes colores que resaltaban sus elementos arquitectónicos.

Es un templo de proporciones regulares, siendo el doble de largo que de ancho con ocho columnas en sus lados más cortos, por ello podemos categorizarlo como un templo octástilo, por 17 en sus lados más largos. Las columnas recorren sus cuatro lados, se trata por lo tanto de un templo períptero, y seis columnas preceden al pronaos. Del pronaos accedemos a la cella que se encontraba dividida en tres naves con columnas superpuestas para ganar la altura necesaria para alojar la estatua de 12 metros de altura de la diosa. En su parte posterior, incomunicada con el resto, se encuentra otra cámara que recibe el nombre de Opistodomo que habría de servir para alojar el tesoro de la diosa.

Esta Obra es un fiel reflejo no sólo del Orden Dórico, el más austero y clásico de los órdenes griegos, sino de las proporciones armónicas que debía de perseguir el templo griego. Así cabe destacar no sólo las proporciones de sus elementos sino las correcciones ópticas que realizaron los arquitectos para lograr esa visión perfecta del conjunto (desigual distancia de los intercolumnios, abombamiento del estilobato y del entablamento para evitar la sensación de hundimiento en el centro, ligera inclinación de los fustes, etc).

El Partenón fue famoso en la antigüedad no sólo por sus esbeltas proporciones sino también por su decoración escultórica, hoy día repartida fundamentalmente entre el museo del Louvre y el británico. La Obra que hemos comentado marcó un hito en la historia de la arquitectura creando un modelo de templo que habría de ser copiado en reiteradas ocasiones no solo en el mundo antiguo sino en épocas más recientes como el Neoclasicismo del siglo XIX.

Aquí os dejamos una carpeta con dos comentarios más.